viernes, 28 de enero de 2011

El violín clásico, la Edad de Oro.

   En la Italia del siglo XVII en los albores de la violería, distintas escuelas de luthiers se afanaban en la construcción de instrumentos de cuerda, lejos aun de la revolución industrial, de la producción en serie, con unas herramientas rudimentarías y un conocimiento empírico de la materia, estos artesanos fueron capaces de construir algunos de los mas bellos instrumentos, con una sonoridad jamás igualada, es la edad de oro de la violería clásica.

                                            Escuela de Brescia

   La Escuela de Brescia alcanzó un gran relieve con Gasparo Bertolotti da Saló,  para algunos el verdadero creador del violín.  Se conservan unos pocos instrumentos de Gasparo da Saló repartidos por museos, realizó muchas mejoras en la construcción de un instrumento que todavía no había alcanzado los niveles de perfección, son sus modelos muy abovedados aunque finalmente terminaria adoptando formas mas planas que favorecen una mayor sonoridad, efes paralelas, anchas y acaso exageradamente largas, ángulos muy agudos y cortos, barniz unas veces rojo oscuro otras amarillo ambar. Discípulos de Gasparo da Saló fueron su hijo Francesco Bertolotti, Giacomo Lafranchini y sobretodo Giovanni Paolo Maggini, que perfeccionó los instrumentos de Saló, sus violines son de formato grande, generalmente 36,6 y dibujó en los mismos unos  “oídos” singulares, largos y puntiagudos, los filetes son dobles y en el fondo del instrumento forman.unos elegantes arabescos entrelazados, la voluta supera en  un cuarto y medio de giro a los instrumentos cremoneses.




                                           Peregrino di Zanetto, Brescia, 1565?



                               Gasparo Bertolotti da Saló, Brescia, antes de 1609 



                                 Giovanni Paolo Maggini, Brescia, antes de 1632
                                  

 
                                          Escuela de Cremona

   Iniciada por Andrea Amati discípulo del violista Giovanni Maria del Busseto y continuada por sus hijos Antonio y Girolamo, quienes trabajaron juntos hasta 1630. Instrumentos mas bien pequeños, muy combados, selecta factura, barniz resistente de coloración amarilla oscura y extraordinario sonido. Pero tal vez fue el décimo hijo de Girolamo, Nicola Amati, el más importante constructor de esta familia. Mejoró notablemente el instrumento,  utilizo un barniz dorado-amarillo.  Nicola Amati fue el maestro del célebre Antonio Stradivari.  En su primer período, acusa la influencia de su maestro, instrumentos pequeños, denominados "amatizados". La madera empleada no era de la mejor calidad, aunque Stradivari compensó esto con un  trabajo minucioso que dio lugar a un sonido bellísimo. A partir de 1672 su estilo evoluciona y mezcla en sus piezas la tradicional dulzura de la escuela de Amati con la potencia sonora de la Escuela de Brescia, raros violines largos como los de Maggini 36,6 otros conocidos como "longuets" largos y estrechos . El tercer período de Stradivari  llamado áureo  comenzó en 1700 y al mismo pertenecen sus mejores violines, obras maestras como el "Soil", "el Delfino", "el Cremonese", "el Messia" y "la Pulcella".  A partir de 1725 su ritmo disminuyó y algunos violines de esta etapa muestran inequívocas señales de decadencia pese a que su sonido sigue resultando francamente excepcional. Murió en Cremona el 18 de diciembre de 1737. A pesar de las modernas técnicas, jamás se ha podido construir un violín que suene exactamente igual a un Strad. y las distintas conjeturas acerca de su singularidad abarcan desde el barniz empleado en su fabricación, tratamientos quimicos de la madera y hasta un tipo peculiar de madera propia de una excepcionalidad climática el "minimo de Maunder" entre 1645 y 1715.



                                         El "Soil" Stradivarius de 1714.


 Andrea Amati



                                      Antonio y Girolamo Amati, Cremona, 1595 ?



                                     "'King Henry IV" Antonio y Girolamo Amati.



                                             Amati Nicolo, Cremona, 1628 
                                               

          Antonio Stradivari           
                        
                                                         

                                                    Giuseppe Guarneri

                                                                              

  Andrea Guarneri (1626-1698), fue el fundador de  otra familia de constructores de violines continuada por sus hijos Petro Giovanni Guarneri (1655-1720) y Giuseppe Giovanni Battista Guarneri (1666-1740)  padre de Pietro Guarneri (1695-1762) y de, el genial violero, Guiusepe Guarneri (1698-1744)  conocido como Guarneri del Gesù por firmar sus instrumentos en el interior de la caja de resonancia con el monograma de Cristo, IHS., nació en Cremona en 1698 y apenas se sabe nada de su infancia, aunque se ha afirmando que trabajó con Stradivari pese a que su estilo es contrapuesto, mientras Guarneri utiliza espesores robustos Stradivari los prefiere delgados. Hoy, con el aumento de la altura en la nota de afinación LA 440 Hz. y el consiguiente aumento de tensión de las cuerdas, se utilizan espesores mayores que en el pasado. Otras fuentes afirman que fue discípulo de Andrea Gisalberti. Contra lo que se piensa, sus violines están más emparentados con la Escuela de Brescia que la de Cremona. Giuseppe Guarneri fue un hombre sujeto a violentos ataques de cólera posiblemente provocados por su adicción a la bebida. Trabajaba de una forma irregular, alternando la fabricación de sus violines con aventuras amorosas que escandalizaban a todos sus vecinos. Su producción se divide en tres períodos, en el primero creo unos violines de pequeño formato excelentes pero  sin alcanzar aún la perfección. En el segundo período a partir de 1730, produjo algunas de sus obras maestras. Pero esta etapa termino bruscamente cuando en un banquete en el que andaba bebido golpeó a un hombre que, al caer, se fracturó el cráneo contra una mesa, muriendo al poco tiempo. Fue condenado a pasar algunos años en la cárcel a consecuencia de este incidente. Una leyenda cuenta que un día una joven se presentó ante Stradivari proponiéndole la compra de un instrumento. Era un extraño violín, construido con madera de baja calidad y mal barnizado, aunque el trabajo global era notable y la voluta bellisima. Stradivari comprendió que se trataba de una obra de Guarneri. La joven, entonces, comenzó a llorar y le explicó que Guarneri estaba arruinado y  no tenía herramientas para trabajar. Aquel violín lo había construido con los utensilios y materiales que había podido encontrar, siendo su objeto la inmediata venta para poder adquirir lo necesario y asi reiniciar su labor de luthier. Stradivari, contó lo sucedido al gremio de constructores de Cremona y todos prestaron ayuda a su desafortunado compañero. Fue éste el origen de una serie de violines llamados "violini della serva" también conocidos como "violini della prigione", las maderas son de baja calidad y el trabajo no muy cuidado, a pesar de ello, el timbre de estos instrumentos en nada desmerece a los anteriores. Hacia 1740 se inicia el tercer período, caracterizado por la producción de unos violines magníficos y de potente sonoridad, murió el 17 de octubre de 1744 y sus instrumentos cayeron en desuso hasta que  Paganini se sirvió del "Cannone"(llamado así por su potencia), un ejemplar histórico que revalorizó la obra de Giusepe Guarneri.
  Fue el ultimo representante cremones de la familia Guarneri.
  Guarneri del Gesu no construyo violoncelos.




          Salvatore Accardo interpreta "La Campanella" de Paganini con el Cannone.


           
                                              Escuela de el Tirol


  Stainer, Albani, klotz. Jacopo Stainer (Absam Tirol 1621 - 1683) es el mas ilustre representante de la escuela alemana, cuya fama supero hasta bien entrado el siglo XVIII la de los maestros cremoneses.(En época de stradivari un Stainer costaba el triple que un Strad.) Muchas veces la voluta es reemplazada por una cabeza tallada (usualmente de león) al igual que los cremoneses, supo relaccionar los espesores de las tapas, de 18 a 20 mm. estas son acentuadamente combadas las efes cortas y circulares en su estremidad, el barniz rojo - anaranjado bellísimo, la sonoridad es muy abierta.



                                             Jacob Stainer, Absam, 1668


   Sus diseños influenciaron la construcción de instrumentos en Alemania, el Reino Unido, los Países Bajos y algunas partes de Italia.
   Stainer pudo haber estado relacionado con los luthiers de Cremona, en particular con la familia Amati.
  Un conflicto largo y peligroso con la Iglesia Católica, debido a la posesión de libros prohibidos en 1668, dio lugar a un arresto domiciliario, juicio público y la excomunión, de la que finalmente se libró después de una confesión pública y tres latigazos. Los últimos años de vida el luthier padeció una demencia que le hizo más difícil cumplir con los pedidos. Stainer, nunca quiso aprendices, murió en Absam en 1683.


                             Stainer detalle del clavijero, talla de cabeza de leon


  Los instrumentos de Antonio Stradivari son más planos y más grandes, y producen un sonido más potente. Tanto Stradivarius como Guarnerius se adaptaron mejor a los cambios que estaban por venir, ambos de estructura mas robusta que los Amati y Stainer soportaron mejor las transformaciones para adaptarlos a una nueva era, el romanticismo, mas potencia, mango mas largo e inclinado, alma mas gruesa, barra armónica mas robusta. Por ello se convirtieron en los preferidos por los músicos de las grandes orquestas, que fueron reemplazando gradualmente a los conjuntos de cámara barroca.
Los violines Stainer son relativamente raros, algunas violas, violonchelos y contrabajos se sabe que existen. Son muy buscados por los interpretes que tocan música antigua con instrumentos de época.



Violín Stainer








viernes, 21 de enero de 2011

La escuela de Barbizon. Los precursores del Impresionismo.



  Francia, en la segunda mitad del siglo XIX un grupo de pintores se reunen en Barbizon, cerca de Fontaineblau, les une el gusto por la pintura del natural, al aire libre, captan en su obra el mundo rural. Los matices de luz y el clarooscuro atmosférico son su sello, es uno de los últimos movimientos del Realismo Francés, los precursores del Impresionismo.


Théodore Rousseau, Encinas









   Desde 1846 Théodore Rousseau (1812-1867)., se había instalado en la aldea de Barbizon se le unen en 1848 Jules Dupré (1811-1889) y Narcisse-Virgile Díaz de la Peña (1808-1876), la creciente fama de Rousseau en los medios artísticos de París, su actitud de rechazo al sistema vigente, el formalismo academico, y no sólo en el ámbito plástico, sino también en el mismo orden social, atrajeron a su alrededor a otros artistas descontentos del academicismo, otro componente del grupo fue Charles François Daubigny (1817-1878), amigo de Corot y admirado por Monet, Constant Troyon (1810-1865), un pintor que se sentía atraído por el estudio de las reses de ganado.







Jean François Millet: "Angelus" (1859). París.


   Un dia Rousseau escribe a sus compañeros: "Ha llegado un nuevo camarada que posee el color, movimiento y expresión, un pintor verdadero.” Era Millet.



                           Jean Fraçois Millet: "Las espigadoras" (1857). París.





sábado, 15 de enero de 2011

Los Itinerantes "Peredvizhniki" pintura realista rusa.



   Gracias al mecenazgo de el industrial y filántropo moscovita Pavel Tetriakov          (1832-1898) una generación de artistas rusos desarrollaron su obra que en gran parte engrosaría los fondos de lo que mas tarde se convertiría en la famosa y universalmente conocida Galería Tetriakov de Moscu, el ambiente cultural con personalidades de la talla de Tolstoi, Yasnaia Poliana como punto de encuentro y referente de muchos artistas e intelectuales. En la segunda mitad del siglo XIX el  crítico Vladímir Stásov exhortaba a los pintores a buscar los motivos para sus obras en la vida cotidiana que les rodeaba. El realismo sustituye al academicismo formal  influido por las doctrinas de Dominique Ingres, el artista no solo reproduce con veracidad episodios de la vida cotidiana sino que se posiciona ante ellos.



Retrato de Pavel Tretyakov por Ilya Repin. 1883

Kramskói, retrato de L. Tolstoi 

Iliá Repin, L. Tolstoi arando 


  Los Peredvízhniki (en ruso: Передви́жники), comúnmente conocidos como "los vagabundos" o los "itinerantes" con Kramskói a la cabeza, fueron un grupo de artistas realistas rusos que en protesta contra las restricciones académicas fundaron en 1870 la Sociedad de Exposiciones de Arte Itinerante.






  Iván Shishkin


   (Vyatka  1832 - San Petersburgo 1898 )  pintor paisajista y grabador, en 1856 ingresa en la Escuela de pintura, escultura y arquitectura de Moscú. A continuación fue admitido en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, se graduó con la gran medalla de oro y recibió además una beca para continuar sus estudios en Europa. Gracias a la beca imperial vivió en Suiza y Alemania durante un tiempo.  Al regresar a San Petersburgo se hizo miembro de los Pintores Itinerantes y de la Sociedad Rusa de Acuarelistas. A los cinco años de su graduación Shishkin se convirtió en miembro de la propia Academia Imperial, en la que sería catedrático de pintura desde 1873 hasta su muerte.
           

                             Iván Shishkin, El bosque nevado, detalle
                                  






  Iliá Repin


  (Sloboda Ucrania 1844 - Finlandia 1930).  fue un destacado pintor y escultor ruso del movimiento artístico Peredvizhniki. Sus obras, enmarcadas en el realismo, contienen a menudo una gran profundidad psicológica y exhiben las tensiones del orden social existente. A finales de los años 20 comenzaron a publicarse en la URSS  trabajos detallados sobre su obra y puesto como ejemplo para ser imitado por los artistas del realismo socialista.


                                          Repin, "No le esperaban" oleo





   En 1878 Repin se unió a la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes (Peredvizhniki). La fama de Repin se extendió a raíz de su pintura Los sirgadores del Volga, una obra que denuncia de un modo impactante el duro sino de estas personas. Desde 1882 vivió en San Petersburgo, realizando frecuentes visitas a su tierra natal Ucrania y ocasionalmente viajes al extranjero.


                                           Iliá Repin. Los sirgadores del Volga






  Izaak Lewitan


   (Kibartai 1861 - Moscú 1900) Izaak Lewitan otro de los itinerantes, amigo de Kranskoi, ambos compartían origen judío, pinto mas de un millar de cuadros a pesar de que murió con tan solo cuarenta años, influido por el pintor Corot y por la estética de la Escuela de Barbizon, expresó en sus paisajes la belleza de la región del Volga. Su color y su estilo inspirarán posteriormente a pintores como Dalí o Antoni Tàpies.






Izaak Lewitan, La tranquila morada




  Valentín Seróv


  Valentín Aleksándrovich Seróv, en ruso: Валенти́н Алекса́ндрович Серо́в ( 1865 -1911) fue un pintor ruso y uno de los mejores retratistas de su época.
  A partir de 1890, el retrato se convertiría en el género por excelencia de Seróv. Fue en este campo que su estilo se volvería pronto más claro, siendo las pinturas notables por las características psicológicas de sus temas. Los modelos preferidos de Seróv eran actores, artistas, y escritores (Konstantín Korovin, 1891, Isaak Levitán, 1893, Nikolái Leskov, 1894, Nikolái Rimski-Kórsakov, 1898 -todos en la galería Tretiakov). En 1894 Serov se unió a los Peredvizhniki (Los Itinerantes).
 
 Niña con Melocotones1887. Considerado  punto de partida del Impresionismo ruso.

Retrato del artista Ilya Repin. 1892. Óleo sobre lienzo. Galería Tretiakov, Moscú


                             




  Ivan Kramskoi


   Iván Nikoláyevich Kramskói (1837 - 1887.) (Ruso: Ива́н Никола́евич Крамско́й) pintor y crítico de arte ruso. Fue uno de los inspiradores y el líder inicial de la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes "peredvizhniki".


                                          Kramskói, "Cristo en el desierto".




   En marzo de 1887 Iván Kramskói estaba pintando un retrato del pediatra Karl Raujfus. Súbitamente el artista se inclinó y cayó al suelo. El doctor intentó ayudarle pero no pudo hacer nada, Kramskoy había muerto.



  Iván Kramskói, el ultimo trazo del pincel, en el extremo inferior en el momento de caer al suelo sin vida.Retrato del pediatra Karl Raujfus.








lunes, 10 de enero de 2011

JULIAN MAROTO FERNANDEZ PINTURA Y DIBUJO





   Nací en Madrid el año 1962, de la mano del escultor Amadeo Ruiz Olmos dio comienzo mi formación artística en la escuela de Artes y Oficios de Madrid, becado por la Fundación Cultural de Castilla la Mancha en los cursos de pintura impartidos por Antonio Lopez Garcia, Manuel Villaseñor, Lucio Muñoz, Antonio Zarco, Isabel Quintanilla, Luis Garcia Ochoa y Maria Moreno y de escultura a cargo de Joaquín Garcia Donaire y Francisco Lopez Hernandez.


Mercedes, oleo / lienzo 200 x 200 cm.


Fernando y Henar, oleo / lienzo 200 x 200 cm.


Autorretrato oleo/lienzo 100 x 81 cm.


  Mi obra intenta ser un reflejo de mis vivencias,  un testigo de mis recuerdos, he pintado aquello que me era familiar, los entornos en los que he crecido y los paisajes que conozco, cada uno de los personajes presentes en mi obra es alguien cercano.

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   Fernando en el estudio carbon/lienzo 146 x 114 cm.



  Creo que el arte debe de dar testimonio del artista y de su mundo, pienso en la creación como un acto de amor desprovisto de cualquier propósito comercial, de recursos estéticos superfluos, incluso lo mas sencillo, lo mas humilde, es susceptible de poseer belleza.



Fuente de recoletos, oleo / lienzo 150 x 150 cm.


Sonia, carbon / lienzo 114 x 146 cm.


Pintando con Susana, carbon / lienzo 146 x114 cm.


Estacion, oleo / lienzo 195 x 130 cm.