viernes, 25 de noviembre de 2011

De la punta de plata al lápiz de grafito, dibujo.


Julián Maroto Fernández, "Sonia" lápiz grafito/lienzo 146x114 cm.


 Actualmente la punta de plata todavía es utilizada por algunos artistas, los romanos emplearon una punta de plata , plomo o una aleación de plomo y estaño, pero es en la edad media donde comienza su utilización generalizada por los copistas medievales que dibujaban directamente sobre pergaminos sin ningún tipo de preparación, las líneas así obtenidas son finas y de un color grisáceo que con el tiempo oscurece y torna a un tono sepia debido a la formación del sulfuro plata.


 Leonardo da Vinci "El Condotiero" punta de plata y tiza.


 Su máximo apogeo fue en el siglo XV, Cennino Cennini hacia 1400 en su "libro del arte" nos describe el uso de las puntas de plata y los soportes adecuados para trabajar con ellas. A partir del gótico tardío y con el renacimiento se desarrollan los medios de impresión y se empieza a considerar el dibujo una obra de arte en sí misma. Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Hans Holbein, Albrecht Dürer, Hans Baldung y Rafael entre otros utilizan esta tecnica, los soportes a veces se preparaban con cola de conejo y albayalde de plomo o yeso mate (imprimación a la creta).


Durero "Autorretrato con 13 años" punta de plata.


 A partir del siglo XVI comienza un lento decaimiento de esta técnica, en favor de otras como la tinta o el lápiz, mas gestuales y rápidas en su ejecución, no obstante algunos artistas como Hendrik Goltzius y Rembrandt van Rijn mantienen la tradición de la punta de plata en el siglo XVII este último hizo varias puntas de plata sobre papel vitela preparado, el más conocido es el retrato de su esposa Saskia, 1633 . A finales del siglo XVIII la punta de plata ya estaba obsoleta. Artistas que siguieron la tradición del dibujo de líneas finas, como Jean Auguste Dominique Ingres, prefieren el grafito que poco a poco mejora en calidad y disponibilidad, además, este ultimo se puede borrar facilmente y no necesita especial preparación de el soporte .


Ingres "Guillaume Guillon Lethiere" lápiz grafito


 En del siglo XIX fue redescubierta y se emplea frecuentemente para realizar retratos. La punta de plata se insertaba en un mango de madera. En la actualidad utilizamos un portaminas y alambre del que se usa en joyería , los extremos deben ser redondeados para no dañar el soporte, se sigue utilizando la imprimación a la creta aunque cada vez mas el gesso acrílico, mediante el uso de un fijativo se puede controlar la reacción del sulfuro de plata, exponiendo el dibujo a la intemperie se acelera la reacción en las zonas desprotegidas oscureciéndose los trazos.

Rembrandt,  "Saskia" punta de plata.


 En el siglo XVII fue descubierto un enorme depósito de grafito en Seathwaite Fell, cerca de Borrowdale (Cumbria, Inglaterra) Éste sigue siendo el principal yacimiento de grafito sólido.
Los pastores locales lo usaban para marcar ganado, comúnmente se le llamó “lead” plomo por el aspecto similar en brillo y color (aunque los lápices de grafito no contienen plomo y no son toxicos) Este depósito era extremadamente puro, sólido y fácil de cortar en barritas. El primer intento de fabricar minas de grafito se llevó a cabo en Núremberg, Alemania, en 1662 utilizando una mezcla de polvo de grafito, sulfuro, y antimonio. En 1795 Nicholas Jacques Conté introdujo un método para endurecer el grafito pulverizado mezclándolo con arcilla y horneándolo después. Variando la proporción grafito/arcilla se obtenían diferentes durezas. Este método de fabricación, descubierto por el austriaco Josef Hardtmuth de Koh-I-Noor en 1790, sigue vigente hoy.



Julián Maroto Fernández, "Elena" punta de plata/papel.


 Los italianos Simonio y Lyndiana Bernacotti fueron los primeros que crearon el diseño de madera de el lápiz actual. Ahuecaban un cilindro de madera de enebro donde luego se insertaba una mina de grafito. Pero después perfeccionaron esta técnica pegando dos medios cilindros de madera, dentro se insertaba la mina . Este método sigue vigente hoy.
Un lápiz con mas contenido de arcilla es más resistente, más duro y escribe claro, y a la inversa, con mayor cantidad de grafito es un lápiz mas blando y oscuro. Se identifican con las letras B el mas blando a H el más duro. Los lápices de la gama B se usan sobre todo para sombrear ,son más fáciles de difuminar y tienen un tono mas profundo y los H se utilizan sobre todo en dibujo técnico.



jueves, 24 de noviembre de 2011

Pintura del XVII, bodegones y vanitas en Haarlem.


 En la holanda de el siglo XVII  se desarrolla un tipo de pintura  denominada "ontbijt",  de naturalezas muertas, bodegones y vanitas caracterizados por  el uso de una entonación monocromatica, Pieter Claeszoon (Haarlem, 1594-1680) y Willem Claeszoon Heda (Burgsteinfurt, 1597-1660) fueron los principales representantes, con su minuciosidad y detallismo continuaron la tradición pictórica inaugurada en el Renacimiento nórdico y Ars Nova por los pintores flamencos. En esto se aproximan a Sánchez Cotán, aunque la obra del maestro español tiene un matiz mas místico.

Pieter Claeszoon, bodegon con ostras


 Willen Claeszoon Heda   se convirtió en decano del gremio de pintores en 1631. Influenciado por  Pieter Claeszoon  En su periodo de madurez se especializa en piezas de "desayuno". Heda transmite sutilmente la textura y la luz de los objetos. Predomina una paleta de matices grises-ocres.  En 1631 se convirtió en miembro de la Cofradía de San Lucas de Haarlem (sirvió como diácono en varias ocasiones después de 1637).


 Pieter Claesz. seleccionaba objetos más sencillos que Heda, pero sus obras llegaran a ser más coloristas . Los dos artistas son los fundadores de una tradición de naturalezas muertas en Harlem, el hijo de Claesz., Nicolaas Berchem, fue un reconocido paisajista.




 Otros artistas continuaron la tradición pictórica flamenca de naturalezas muertas, cabe destacar a Willem Kalf (aunque vivió y trabajo en París, nació en Rotterdam en 1619) como uno de los mas destacados representantes de la pintura "ontbijt". 


sábado, 12 de noviembre de 2011

La cámara lúcida, herramientas de dibujo.

 Otro dispositivo óptico usado por artistas como ayuda en el dibujo. Es la cámara lúcida, también denominada cámara clara, fue patentado en 1806 por William Hyde Wollaston. Descrita 200 años antes por Johannes Kepler en su obra Dioptrice (1611). Hacia el siglo XIX la invención de Kepler cayó en el olvido. por ello nadie demandó a Wollaston.





 El nombre "cámara lúcida" procedente del latín (habitación iluminada) intentaba obviamente recordar otro sistema muy usado anteriormente, la cámara oscura, aunque no hay ninguna similitud  óptica entre los dos sistemas. La cámara lúcida es un aparato ligero y portátil que no proyecta ninguna imagen y por tanto no requiere de especiales condiciones de iluminación .





 En su forma más simple, el artista mira hacia la superficie de dibujo a través de  una cámara óptica dotada de un prisma o espejo semi transparente inclinado 45 grados. Esto ofrece una imagen que se superpone sobre el papel o soporte y se copia a mano con lápiz o carbón, a veces incluye una lente negativa débil, de forma que ambas se pueden ver bien enfocadas simultáneamente, creando la imagen virtual del tema a copiar.





 Muy usada por grabadores y sobre todo por naturalistas y botánicos ya que permitía reproducir con fidelidad las diferentes partes de un espécimen. Wollaston la definió como "Instrumento con el cual una persona puede dibujar en perspectiva, o copiar o reducir, cualquier lámina o dibujo".





viernes, 11 de noviembre de 2011

La camara oscura, el arte secreto.


 Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente.
 La cámara oscura es un instrumento óptico que permite proyectar una imagen externa sobre una superficie plana. su desarroyo condujo a la camara de fotos.


Esquema de una cámara oscura del siglo XVIII.



 Desde muy temprano, hacia el 500 a. C.  Aristóteles y Euclides escribieron acerca del comportamiento de la luz que pasa a través de una cesta tejida o entretejidos de hojas.
 En el siglo V a. C. el filósofo Mo Jing menciona la teoría de una "imagen que se forma a través de un pequeño orificio"
 El matemático árabe Al-Haytham nacido en 965 (matemático, astrónomo y físico iraquí del siglo X) publicó esta idea en su Libro de óptica (de siete volúmenes; también llamado Kitab al-Manazir, y en latín De Aspectibus or Opticae Thesaurus: Alhazeni Arabis) echa por tierra las teorías de Aristóteles predominantes en la época de que los rayos luminosos se emiten desde el ojo hacia los objetos visualizados. A través de sus experimentos y de una descripción detallada de los ojos, afirma que los objetos emiten los rayos luminosos. Realizó la primera cámara oscura después de notar cómo salía la luz de un agujero en las persianas. Mejoró la cámara al notar que cuanto más pequeño era el agujero más nítida era la imagen.
 Shen Kuo (1031-1095) experimentó con la cámara oscura. Fue el primero en proveer sus atributos geométricos y cuantitativos. Gemma Frisius y Giambattista della Porta empezaron a explicar con más detalle por qué la imagen se invertía al pasar a través de un orificio. Las imágenes asi obtenidas permitían ver con seguridad los eclipses solares mediante una observación indirecta del sol.
 En el siglo XIII Robert Grosseteste y Roger Bacon conocían ya el fenómeno de la cámara oscura aunque, probablemente, hasta el siglo XV, no se le dio aplicación práctica como instrumento auxiliar para el dibujo. 
 Leonardo da Vinci (1452−1519) la usa en el siglo XV como herra­mienta auxi­liar para sus dibu­jos.   
 Johannes Kepler en su tratado Ad Vitellionem Paralipomena de 1604 expone el funcionamiento de la cámara oscura, que servirá para desarrollar el invento del telescopio.
 En el siglo XVI se construyen cámaras portátiles con un objetivo de mayor diámetro dotado de lentes, con lo que la imagen ganaba en definición y luminosidad. Artistas de los siglos XVI y XVII, como Johannes Vermeer y otros usaron cámaras oscuras para ayudarse en la elaboración de sus bocetos y pinturas. La imagen, proyectada sobre papel u otro soporte, podía servir de pauta para dibujar sobre ella.




 Vermeer  mantuvo amistad con Antonie van Leeuwenkoek, un científico de la época especializado en óptica  que finalmente  seria su albacea  testamentario y podría haberle facilitado el acceso a una cámara oscura.



 
Canaletto: Basílica Giovanni e Paolo, en Venecia. Bocetos obtenidos mediante cámara oscura.


Holbein, Los embajadores
Anamorfosis de una calavera son necesarios elementos ópticos para conseguir una deformación exacta.

 Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple orificio como objetivo).
 Estas cámaras estaban muy limitadas por el compromiso necesario al establecer el diámetro de la abertura: suficientemente reducido para que la imagen tuviera una definición aceptable; suficientemente grande para que el tiempo de exposición no fuera demasiado largo. El uso de combinaciones de lentes desarrollara diferentes tipos de objetivos, la cámara oscura se transforma en cámara fotográfica.


La Última Cena” de Leonardo da Vinci.


 Digo que si frente a un edificio o cualquier espacio abierto iluminado por el sol, tiene una vivienda frente al mismo y que si en la fachada que no enfrenta al sol se hace una abertura redonda y pequeña, todos los objetos iluminados proyectarán sus imágenes a través de ese orificio y serán visibles dentro de la vivienda sobre la pared opuesta, que deberá ser blanca, y allí estarán invertidos...
"De Rerum Natura"
Leonardo Da Vinci (1452-1519)


 
Caravaggio, Martirio de San Pedro.

 Según un estudio de Roberta Lapucci, profesora del Studio Art Centers International de Florencia, no dudó en calificar al maestro del claroscuro como un precursor de la fotografía. Caravaggio utilizaba instrumentos ópticos revolucionarios para fotografiar a sus modelos. Esto ocurrió a finales del siglo XVI, es decir, más de 200 años antes de que se inventara la cámara.
  Al parecer, Caravaggio trabajaba en una habitación oscura e iluminaba a sus modelos a través de un agujero en el tejado. Utilizando una lente y un espejo, la imagen se proyectaba sobre el lienzo.
 Según Lapucci, Leonardo Da Vinci ya había hablado de la cámara oscura, pero fue Caravaggio el primero en utilizarla. El artista encontró grandes apoyos en el campo de la ciencia. "El método se lo sugirió su amigo Giovanni Battista Della Porta, un físico", reveló la investigadora. Entre sus grandes descubrimientos, Della Porta había dotado de lente biconvexa a la cámara oscura, inventada por Leone Battista Alberti un siglo antes.
 Caravaggio fijaba la imagen exponiéndola durante media hora sobre el lienzo y utilizando sustancias sensibles a la luz. Durante ese tiempo, empleaba carbonato de plomo mezclado con productos químicos y minerales que eran visibles en la oscuridad y le permitían dibujar el cuadro a grandes rasgos. Al parecer, uno de los principales elementos en estas mezclas era el mercurio, que puede afectar al sistema nervioso causando irritabilidad. Según Lapucci, esto explicaría el fuerte temperamento del pintor.
Roberta Lapucci ha contado con la colaboración del británico David Hockney que en 2001 publicó un estudio "El Conocimiento Secreto", obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos (como Canaletto, Johannes Vermeer, Anthony Van Dyck, Jean Auguste Dominique Ingres o el propio Caravaggio) hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiascopos) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística.
 Cada vez que alguien habla de estos secretos artísticos, numerosos historiadores del arte denuncian que semejantes afirmaciones no están lo suficientemente probadas y que devalúan el talento de los pintores. Hay muchas pruebas segun Lapucci, empezando por el hecho de que Caravaggio nunca hacía bocetos preliminares.
Otro detalle que apoya esta teoría es que en los cuadros del italiano los personajes suelen ser zurdos. "Esto se explica porque la imagen proyectada en el lienzo está al revés", precisó Lapucci. Según ella, esto no devalúa el talento del pintor: "No puedes proyectar imágenes en un cuadro y copiarlas para tener un Caravaggio".